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CENTRE CULTUREL INTERNATIONAL DE CERISY

Programme 2014 : un des colloques







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LES SPECTACLES POPULAIRES :

FORMES, DISPOSITIFS, DIFFUSION
(1870-1945)

DU MERCREDI 1er OCTOBRE (12 H) AU DIMANCHE 5 OCTOBRE (14 H) 2014

DIRECTION : Pascale ALEXANDRE, Martin LALIBERTÉ

COMITÉ SCIENTIFIQUE : Pascale Alexandre (UPEM), Marc Cerisuelo (UPEM), Jeanyves Guérin (Paris 3 - Sorbonne Nouvelle), Martin Laliberté (UPEM), Jean-Marc Larrue (Université de Montréal), Geneviève Mathon (UPEM), Catherine Naugrette (Paris 3 - Sorbonne Nouvelle), Giusy Pisano (Ecole nationale supérieure Louis-Lumière)

ARGUMENT :

Ce colloque interdisciplinaire se situe dans le prolongement des travaux engagés sur le fonds de l’ART (Association des Régisseurs de Théâtre) à partir du colloque inaugural tenu à Cerisy en 2013 sur "La mise en scène théâtrale et les formes audio-visuelles".

Catalogué dans le cadre du PPS (Projet Pluriannuel Structurant) porté par l’Université Paris-Est Marne-la-Vallée, le LISAA (UPEM, EA 4120) en partenariat avec le CRI (Université de Montréal) et en collaboration avec la Bibliothèque Historique de la Ville de Paris, ce fonds peut être considéré comme un observatoire privilégié pour aborder la notion de spectacle populaire, parfois discréditée en raison de la hiérarchie sociale et culturelle qu’elle peut présupposer.

La période envisagée (1870-1945) fait au contraire apparaître la place centrale de ces spectacles qui jouent un rôle fondamental dans le métissage des arts et des genres: un peu avant Craig, Maeterlinck et Jarry voient dans la marionnette l’acteur idéal, Apollinaire et Cocteau puisent dans les arts du cirque et dans le théâtre de Boulevard, le cinéma de Méliès et celui de Hollywood empruntent au théâtre. Loin de conforter les frontières et les hiérarchies artistiques, esthétiques ou génériques, ces métissages les bousculent, au contraire, se faisant ainsi le moteur de la création et de l’innovation artistiques.

Ce colloque envisagera: 1) les différentes formes de spectacles populaires (pièces de théâtre, opéras bouffes, opérettes, musiques de scène, mais aussi spectacles mixtes, revues, lanterne magique, cinéma forain...); 2) les dispositifs spécifiques au théâtre, leur évolution technologique, les phénomènes d’intermédialité; 3) la géographie des salles de spectacle parisiennes et leur répertoire, en corrélation avec la question du public, les tournées à l’étranger (Etats-Unis, Canada, Russie...), l’exploitation publicitaire de ces spectacles (cartes postales d’acteurs et de spectacles, programmes, presse).

CALENDRIER DÉFINITIF :

Mercredi 1er octobre
À partir de 12 heures:
ACCUEIL DES PARTICIPANTS

Après-midi:
Pascale ALEXANDRE & Martin LALIBERTÉ: Ouverture
Giusy PISANO: Le mélodrame: de la scène à l’écran
Pascale ALEXANDRE: Spectacles populaires et théâtre historique: mises en scène de la Révolution française

Soirée:
Présentation du Centre, des colloques et des participants


Jeudi 2 octobre
Matin:
Patrick DÉSILE: La Grande Semaine de Sem et Roubille, un condensé de la culture visuelle du XIXe siècle
Stéphane TRALONGO: Le music-hall au centre de la ville mécanisée. Ambiguïtés des machines entre érotisation et technophobie [conférence en ligne sur la Forge Numérique de la MRSH de Caen et sur le site France Culture Plus]

Après-midi:
Frédéric TABET: "Mentalist" et ses projections médiatiques de part et d'autre du XXe siècle
Véronique PERRUCHON: Lumière et espace en mouvement: La Fille d'Artaban

Soirée:
Danielle MATHIEU-BOUILLON: Pourquoi Cyrano, encore et toujours? Les secrets d'une pièce miracle (communication préparée avec Serge BOUILLON)


Vendredi 3 octobre
Matin:
Jean-Pierre SIROIS-TRAHAN: Découpage, mon beau souci. Réfractions de la lanterne magique et du théâtre
Geneviève DE VIVEIROS: Jules Verne, aux lumières de la scène: popularité et pérennité du Tour du monde en 80 jours

Après-midi:
Catherine NAUGRETTE: Pour une géographie parisienne du vaudeville, des années 1880 aux années 1920
Adélaïde JACQUEMARD-TRUC: La fille de la terre, tragédie populaire d’Emile Sicard: conception et représentation
Sylvie THOUARD: D’un médium à l’autre, les tribulations d’une héroïne populaire: La Porteuse de pain

Soirée:
Projection de La Porteuse de pain dans la version (restaurée) de Vidali (1916), présentée par Béatrice de PASTRE, Directrice des collections du CNC


Samedi 4 octobre
Matin:
Caroline RENOUARD: Genre policier et phénomènes d’intermédialité: le cas "Arsène Lupin" (1908)
Marguerite CHABROL: Paris-Broadway-Hollywood: deux comédies françaises à la mode de Lubitsch
Jean-Marc LARRUE: Le burlesque québécois (texte lu par Giusy PISANO)

Après-midi:
Caroline CHIK: Spectacles et arts populaires parisiens au XIXe siècle
Geneviève MATHON: Two for the seesaw / Deux sur la balançoire: entre scènes et écrans, adaptations et jeux de transferts depuis la pièce de William Gibson
Vincent DUSSAIWOIR: Recherche sur les pièces populaires en alexandrins

Soirée:
Anne-Marie QUÉVRAIN: Méliès et l’âge d’or du cinéma forain en France (1896-1914), suivi de la projection de Méliès et les forains de Çiva de Gandillac et d’une sélection de films de Georges Méliès


Dimanche 5 octobre
Matin:
Martin LALIBERTÉ: Percussification de la culture sonore après 1900: les indices des fonds des comédies de l'ART
Sylvain SAMSON: L’accordéon: expression populaire? Lectures et répertoire dans les théâtres parisiens jusqu’en 1945

Après-midi:
DÉPARTS

RÉSUMÉS :

Pascale ALEXANDRE: Spectacles populaires et théâtre historique: mises en scène de la Révolution française
L’histoire avait constitué un matériau théâtral privilégié pour le drame romantique. Dans la seconde moitié du XIXe siècle et au début du XXe siècle se perpétue un théâtre historique - drames, mélodrames, comédies - apprécié et  applaudi d’un large public.  Nombreuses sont les pièces qui prennent pour sujet la Révolution française et l’Empire, certaines bien connues, comme Madame Sans-Gêne de Sardou, d’autres moins, comme Thermidor du même auteur ou encore Théroigne de Méricourt de Paul Hervieu. Il faut aussi mentionner les pièces que Romain Rolland, dans une perspective différente, consacra lui aussi à la Révolution de 1789: Les Loups, Le Triomphe de la raison, Danton et Le Quatorze juillet. Les documents conservés dans le fonds ART, notamment les relevés de mise en scène, permettront de voir comment le spectacle met en forme le matériau historique et selon quels enjeux.

Pascale Alexandre est professeur à l’Université Paris-Est Marne-la-Vallée. Elle est l’auteur de travaux consacrés à différents dramaturges et critiques dramatiques de la fin du XIXe siècle (Claudel, Maeterlinck, Barbey d’Aurevilly) et du XXe siècle (Giraudoux, Tardieu, Ionesco, Beckett...). Elle a réalisé l’édition critique de deux volumes du Théâtre contemporain (t. II et t. IV), recueils de chroniques dramatiques à paraître aux Belles Lettres en 2014 dans le cadre de l’Œuvre critique de Barbey d’Aurevilly, sous la direction de Catherine Mayaux et Pierre Glaudes. Elle a également dirigé un ouvrage collectif, La Littérature à l’épreuve des arts populaires, à paraître en 2014 aux éditions Classiques Garnier. Elle a participé au colloque de Cerisy sur "La mise en scène théâtrale et les formes audio-visuelles" (juin 2013).

Marguerite CHABROL: Paris-Broadway-Hollywood: deux comédies françaises à la mode de Lubitsch
Cette étude prolongera une première contribution à l’exploration du fonds de l’ART dans la perspective des études cinématographiques et d’une réflexion sur les transferts culturels. J’avais envisagé la façon dont les mises en scènes françaises, via des adaptations théâtrales américaines, ont pu nourrir le cinéma hollywoodien. Après une première étape  (au colloque de Cerisy "La Mise en scène théâtrale et les formes audiovisuelles" en 2013) consacrée à des films de Cukor tirés de pièces françaises ayant circulé aux Etats-Unis, montrant le rôle de la culture française en matière de mélodrame, cette deuxième présentation s’attachera à la question de la comédie.
Il s’agira toujours de s’interroger sur les traces possibles de mises en scènes françaises dans le cinéma hollywoodien, à travers deux comédies passées par Broadway et adaptées au cinéma par Ernst Lubitsch: Bluebeard’s Eight Wife (1938) d’après La Huitième femme de Barbe-bleue d’Alfred Savoir et That Uncertain Feeling (1941) d’après Divorçons de Victorien Sardou, dont les relevés de mise en scène sont dans le fonds de l’ART. Mon hypothèse initiale est que la mise à jour des liens entre les versions successives sera peut-être plus épineuse avec Lubitsch. Si, dans le cas de Cukor, le rôle du théâtre de Broadway était manifeste, il est a priori moins évident pour Lubitsch, certes fortement nourri par les sources théâtrales européennes, mais moins directement lié au monde du théâtre américain. Je m’interrogerai donc sur la possibilité d’inscrire les films de Lubitsch dans le même circuit et la même logique d’adaptations que celle mise en valeur à propos de Cukor. Je mettrai à jour les enjeux du genre de la comédie et de son acclimatation au contexte culturel américain.

Marguerite Chabrol est maître de conférences en études cinématographiques à l’Université Paris-Ouest Nanterre La Défense. Ses recherches portent sur le classicisme hollywoodien et les relations du cinéma avec le théâtre. Elle est notamment l’auteur d’une thèse sur "La théâtralité dans le cinéma classique hollywoodien: les mises en scène de Georges Cukor et Joseph L. Mankiewicz" (2004) et a codirigé la série des Lectures croisées (avec Alain Kleinberger et Pierre-Olivier Toulza, L’Harmattan), et avec Tiphaine Karsenti, le n°204 de Théâtre/Public, "Entre théâtre et cinéma: recherches, inventions, expérimentations" (juin 2012), ainsi que Théâtre et cinéma: le croisement des imaginaires (PUR, 2013).

Patrick DÉSILE: La Grande Semaine de Sem et Roubille, un condensé de la culture visuelle du XIXe siècle
Le "diorama" La Grande Semaine, exposé en 1909 par les dessinateurs Sem et Roubille, est un ensemble de petits personnages découpés, disposés sur cinq ou six plans devant un décor d’une dizaine de mètres de long. La scène représente l’avenue du Bois de Boulogne, par un après-midi de "Grande Semaine", la dernière de juin, particulièrement riche en événements mondains. Certains de ces personnages sont reconnaissables, d’autres sont des figures anonymes. Cette œuvre, que l’on peut rapprocher d’autres réalisations de Sem, tiennent du diorama, si l’on veut (quand ce ne serait que par le nom) et de l’art de la caricature, mais aussi du panorama pictural, du panorama photographique, de la galerie de figures de cire, des transparents de Carmontelle, du théâtre d’ombres, ou encore des Physiologies, des Tableaux de Paris, des sommes sociologiques illustrées de la première moitié du XIXe siècle, du photojournalisme naissant ou du cinématographe. On propose de décrire un dispositif somme toute méconnu et surtout de tenter de redéployer tout ce qui s’y trouve concentré, en escomptant que de cette analyse pourraient émerger des éléments d’intelligibilité pour l’ensemble des pratiques concernées.

Patrick Désile est chercheur associé au CNRS (Atelier de recherche sur l’intermédialité et les arts du spectacle). Il a notamment animé un séminaire de recherche, consacré aux relations entre les spectacles du XIXe siècle et le premier cinéma, à l’Institut national d’histoire de l’art puis à l’École normale supérieure, et enseigné à l’université de Lausanne.

Geneviève DE VIVEIROS: Jules Verne, aux lumières de la scène
Plusieurs pièces de théâtre inspirées ou adaptées des romans de Jules Verne seront montées sur les scènes parisiennes à la fin du XIXe siècle. Si celles-ci ont été en grande partie oubliées par l’histoire du théâtre, restent qu’elles constituaient au moment de leur création les plus grands succès de la période. Ainsi, par exemple, le drame tiré du Tour du monde en 80 jours du roman éponyme par Jules Verne et son collaborateur Adolphe Dennery sera représenté près de 1000 fois en 1874, l’année de sa première mise en scène, et sera constamment repris sur les planches des théâtres parisiens pendant plus de vingt ans.
En nous appuyant sur l’étude des manuscrits et des cahiers de notes des régisseurs du Tour du monde en 80 jours (1874) et de Mathias Sandorff (1880) du fonds de l’ART, nous nous proposons d’analyser les dispositifs scénographiques utilisés dans la mise en scène de ces pièces "à grand spectacle". Il s’agira également, à travers cette analyse, de mettre en lumière les raisons qui expliquent la pérennité de ces grands succès de la scène populaire, que ce soit sur les scènes de la fin du XIXe siècle ou encore dans le répertoire du cinéma hollywoodien.

Geneviève De Viveiros est professeure au département d’études françaises de l’Université Western Ontario (Canada). Ses recherches portent sur l’histoire littéraire et culturelle du XIXe siècle. Elle s’intéresse notamment à l’œuvre d’Emile Zola, aux adaptations théâtrales et aux formes de spectacles populaires du XIXe siècle. Ses travaux ont paru entre autres dans La Revue d’histoire du théâtre et Les Cahiers naturalistes. Elle collabore présentement à l’édition critique du théâtre d’Eugène Labiche aux éditions Garnier.

Adélaïde JACQUEMARD-TRUC: La fille de la terre, tragédie populaire d’Emile Sicard: conception et représentation
Emile Sicard écrit en 1912 une pièce intitulée La Fille de la terre, conservée dans le fonds A.R.T, qu’il désigne comme une "tragédie populaire". Cette indication générique est en elle-même un programme de lecture, qui se vérifie tant dans l’écriture de la pièce que dans sa réalisation scénique. La Fille de la terre emprunte à la tragédie quelques traits de composition et thèmes aisément reconnaissables. La pièce met en scène les tensions entre une génération montante, aspirant à la vie urbaine et fascinée par la condition ouvrière, et une génération vieillissante, privilégiant la transmission de la terre et des valeurs qui s’y attachent. La première représentation de La Fille de la terre confirme l’originalité de cette "tragédie populaire". La création de la pièce a lieu dans les arènes de Nîmes: la représentation en plein air évoque les réflexions sur un théâtre populaire d’extérieur développées à la même époque.

Adélaïde Jacquemard-Truc est docteur de l’Université Paris-Est Marne-la-Vallée. Spécialiste du théâtre symboliste et des liens intergénériques entre théâtre et poésie, elle a également publié plusieurs articles sur les formes du théâtre au XIXe siècle et du XXe siècle (Folies et fantaisies; théâtre de Jean Anouilh; théâtre des années noires).

Martin LALIBERTÉ: Percussification de la culture sonore après 1900: les indices des fonds des comédies de l'ART
Cette troisième communication sur l’analyse des effets sonores et bruitages dans les relevés de mise en scène du fonds de l’ART continue l’étude des particularités de ces sons dans l’optique d’une étude plus vaste de la mutation du goût sonore au tournant du XXe siècle. D’une part, les données d’analyses ont été encore précisées, ce qui permet des conclusions plus claires. D’autre part, les dispositifs mécaniques et électriques de bruitages ont cette fois été étudiés plus en profondeur, afin de faire ressortir les pratiques courantes de bruitage avant le développement de la radiophonie.

Danielle MATHIEU-BOUILLON: Pourquoi Cyrano, encore et toujours? Les secrets d'une pièce miracle (communication préparée avec Serge BOUILLON)
Un an après la création d'Ubu Roi, en total décalage avec les prémices du modernisme du XXe siècle, l'œuvre néoromantique du jeune Edmond Rostand va, véritable déferlante, choisir le contre courant et, dès la première représentation, enthousiasmer le public parisien. Elle poursuivra son triomphe partout dans le monde, où la pièce, déclinée sur tous les modes, produira chaque fois la même adhésion populaire.
Cette communication évoquera la genèse de la création d'un héros typiquement français, dans lequel chacun va s'identifier, héros archétypal qui, dès sa création, enflamma les foules et incita, dans le monde entier, les plus grands comédiens à s'attaquer aux 1500 vers d'un rôle exténuant. Elle rappellera la création mémorable de Constant Coquelin, ainsi que quelques reprises significatives du spectacle, notamment celles qui allaient rompre avec la tradition qui exigeait, pour interpréter le personnage, un acteur ayant dépassé la cinquantaine (Victor Francen - 1925 et Pierre Fresnay - 1928), l'entrée de la pièce à la Comédie-Française (André Brunot en 1938), la version révolutionnaire de Raymond Rouleau avec Gino Cervi (tournée en Italie puis spectacle d'ouverture du Théâtre des Nations en 1953) et sa nouvelle présentation en 1956 à Sarah Bernhardt avec Pierre Dux; enfin la magnifique reprise à la Comédie-Française, en 1964 avec Jean Piat, dans la mise en scène de Jacques Charon. Très rapidement, à travers le monde, l'œuvre est passée du Théâtre à l'Opéra, puis au cinéma, au ballet, enfin, à la télévision, l'incarnation du rôle par Daniel Sorano pour Noël 1960, a marqué à jamais les mémoires de plusieurs millions de téléspectateurs.Toutes choses qui feront l'objet d'une brève évocation. En fin, pour clore ce propos, nous ferons une évocation rapide des productions majeures de l'ouvrage et la mise en perspective du phénomène.

Danielle Mathieu-Bouillon a débuté adolescente dans le spectacle. De la collaboration artistique et/ou technique (éclairages et son) à l’administration, puis à la direction de plusieurs théâtres parisiens, elle en a exercé tous les métiers. Professeur de Régie-Administration à l’ENSATT de 1982 à 1989, elle a enseigné l’histoire du Théâtre au CFPTS, au GRETA du spectacle et au Lycée du Costume Paul Poiret. Auteur dramatique, elle préside l’Association de la Régie Théâtrale depuis 1983, a organisé de nombreuses expositions et rédigé de multiples articles consacrés à l’histoire des théâtres à Paris et participé à plusieurs ouvrages sur le théâtre.
Bibliographie
Organiser un spectacle (avec Marie-Sophie Humeau), Edition Le Moniteur, 1989.
ENSATT L'ECOLE THEATRE, ouvrage collectif, Les Solitaires Intempestifs, 2011.
CENTENAIRE DU THEATRE DES CHAMPS-ELYSEES, ouvrage collectif de 700 pages sous la coordination de Nathalie Sergent, auteur de l'histoire de la Comédie des Champs-Elysées de 1913 à 1944, Editions Verlhac, 2013.


Catherine NAUGRETTE: Pour une géographie parisienne du vaudeville, des années 1880 aux années 1920
Il s’agira dans cette intervention de dresser d'abord la carte des salles de théâtre à Paris dans les années 1880-1920, dont le répertoire est essentiellement composé de vaudevilles. Puis d’analyser la topographie ainsi obtenue, d’un point de vue à la fois sociologique et historique, dramaturgique et historique. Quel répertoire de vaudeville joue-t-on dans quel théâtre, à quel endroit dans la ville, dans quel type de salle, et pour quel public? Y-a-t-il une évolution notable entre cette carte et ces pratiques depuis les débuts du vaudeville dans la capitale, soit les années 1820? Comment peut-on interpréter cette nouvelle donne, entre continuité et renouvellement?

Ancienne élève de l’Ecole Normale Supérieure, agrégée de Lettres Modernes, Catherine Naugrette est actuellement professeur d’Histoire et d’Esthétique du théâtre à la Sorbonne Nouvelle et présidente de la 18e Section (Arts) du CNU. Ses recherches les plus récentes portent sur le devenir contemporain de certaines notions esthétiques, en particulier sur la catharsis, et sur les rapports entre le théâtre et les autres arts.
Publications
Paysages dévastés. Le théâtre et le sens de l’humain, Circé, 2004.
L’Esthétique théâtrale, Armand Colin 2011, 2nde édition.
Qu’est-ce que le contemporain?, (dir.), L’Harmattan, 2011.
Le Contemporain en scène, (dir.), L’Harmattan, 2011.


Véronique PERRUCHON: Lumière et espace en mouvement: La Fille d'Artaban
À partir d’étude de cas, cette contribution portera un regard attentif sur la manière dont les jeux de lumière sont pris en compte dramaturgiquement à la fin du XIXe siècle, notamment au Théâtre Antoine. On verra comment le texte et le jeu scénique s’approprient cette donnée.

Après des débuts professionnels en tant qu’éclairagiste et régisseuse, Véronique Perruchon s’est intéressée au domaine spectaculaire du théâtre et à la mise en scène dans son travail de recherche. Elle est l’auteur d’une thèse dirigée par Georges Banu (Sorbonne Nouvelle Paris 3) sur le metteur en scène André Engel. Maître de conférences à l’Université Lille 3 en Arts de la scène et membre du Centre d’Etude des Arts Contemporains (CEAC), elle poursuit ses investigations sur les composantes de la scène et les enjeux spectaculaires.

Giusy PISANO: Le mélodrame: de la scène à l’écran
Le mélodrame, genre populaire et inépuisable, est très présent dans le fonds d’archives de l’Association de la Régie Théâtrale (ART): des centaines de pièces de théâtre parmi lesquelles nous avons sélectionné celles qui ont eu une adaptation cinématographique afin d’en analyser les reprises et variantes.

Giusy Pisano est professeur des Universités à l'École nationale supérieure Louis-Lumière, Associate Professor, Center of Koeran History, Korea University, directrice de recherche à l'ED Arts et Médias/Université Sorbonne Nouvelle Paris III et membre de l'IRCAV. Ses articles ont été consacrés à l'histoire et l'esthétique du cinéma et de l'audio-visuel. Actuellement ses recherches portent sur l'anthropologie des sons et des images. Elle est co-directrice, avec Jean-Marc Larrue, du projet de recherche sur les relevés de mise en scène de l'Association de la Régie Théâtrale dont découle le présent ouvrage.
Publications
Archives audiovisuelles: mémoire, histoire, création. Nouvelles approches, nouvelles méthodes (dir.), Paris, L’Harmattan,  2014.
L’amour fou au cinéma, Paris, Éditions Armand Colin, 2010 (traduit en italien: Roma, Gremese, 2011).
Une archéologie du cinéma sonore, Paris, Éditions du CNRS, décembre 2004.
Le muet a la parole. Cinéma et performances à l’aube du XXe siècle (codirection avec Valérie Pozner), Paris, CNRS/AFRHC, 2005.
La Musique ! (codirection avec François Albera), Paris, AFRHC, 1895, 2003.


Sylvain SAMSON: L’accordéon: expression populaire? Lectures et répertoire dans les théâtres parisiens jusqu’en 1945
Un vaste répertoire musical a déjà été mis en valeur au sein du fonds des "Relevés de mises en scène dramatiques" de la Bibliothèque Historique de la Ville de Paris. Chanson populaire, danses, jazz, musiques savante, sacrée ou encore patriotique en constituent des exemples majeurs. De facture récente, l'accordéon, né vers 1830, apparaît sur scène dans huit pièces de ce fonds entre 1913 et 1945. Au cœur du théâtre, les différents rôles joués par cet instrument dans les mises en scène permettront d'interroger son répertoire, ses fonctions, sa symbolique et plus particulièrement de questionner son image "populaire" dans la première moitié du XXe siècle, alors même que le Balajo, salle de bals musette parisienne emblématique, ouvrira dès 1936.

Sylvain Samson, LISAA (EA-4120) - Université Marne-La-Vallée, est professeur agrégé de musique, certifié en histoire des arts et docteur en musicologie des Universités François-Rabelais de Tours et La Sapienza de Rome. Ses recherches se concentrent sur diverses problématiques liées à l'opéra, et plus largement au théâtre. Prônant les approches pluridisciplinaires, la littérature, l'histoire, la philosophie, l'anthropologie intègrent entre autres ses champs de réflexion. L’étude du fonds de l’Association de la Régie Théâtrale de la Bibliothèque Historique de Paris constitue une part importante de ses travaux de recherches, se concentrant sur les manifestations du sonore dans les mises en scène.
Publications
Saint Exupéry et Villiers de l’Isle-Adam: les épicentres de la construction de l’Univers, du parcours et de la figure du héros dans le théâtre de Luigi Dallapiccola. Une esthétique du Sacré et de l’Initiatique, Thèse de doctorat en cotutelle franco-italienne, sous la direction de Geneviève Mathon - Université François-Rabelais, Tours et Pierluigi Petrobelli - Université La Sapienza, Rome, 2011.
"Ulisse de Luigi Dallapiccola: un univers sacré, une vision dantesque", Le Paon d'Héra, à paraître aux Editions du Murmure.
"Impact des nouvelles technologies sonores au théâtre. Le disque: incidence et répertoire dans les théâtres parisiens entre 1911 et 1945", à paraître aux Presses Universitaires du Septentrion (2014).


Frédéric TABET: "Mentalist" et ses projections médiatiques de part et d'autre du XXe siècle
Hypnotiseur, spirite, nécromancien, lecteur de pensée, télépathe... notre intervention s’attache à interroger la figure du magicien mental. Ce personnage, présent au théâtre et au cinéma, est le double du mentaliste qui se présente sur les scènes de music-hall. Ce terme, désignant une sous-catégorie de l’art magique s’implante dans la langue au début du XXe siècle. Notre communication interrogera le répertoire et la présentation de cette forme qui s’autonomise comme forme populaire. Les hypnotiseurs et autres lecteurs de pensées, bien que présents sur scènes, appuient leur renommée sur une nouvelle forme de diffusion en proposant des programmes radiophoniques. Ces artistes proposent une alternative à la magie optique du XIXe et s’opposent à l’esthétique des imposantes productions spectaculaires magiques: sur leur scène nue, une dramaturgie de la voix et de la lumière crue se développe. L’occasion sera ainsi offerte de s’intéresser à l’essor d’un pan du spectacle populaire et de ses dispositifs trucographiques, scénographiques, ainsi qu'à ses liens avec d’autres formes de représentation.

Sylvie THOUARD: D’un médium à l’autre, les tribulations d’une héroïne populaire: La porteuse de pain
Si le titre La Porteuse de pain évoque encore la figure d’une héroïne populaire de la fin du XIXe siècle, le roman feuilleton et ses diverses adaptations, théâtrales, cinématographiques, radiophoniques et télévisuelles, sont aujourd’hui largement oubliés. Ils constituent pourtant un vaste corpus qui invite à l’étude de phénomènes d’intermédialité. Le texte mélodramatique fourmillant des ressorts narratifs propres aux feuilletons (1884) fut adapté pour le théâtre par son auteur Xavier de Montepin et par Jules Dornay; la Bibliothèque Historique de la Ville de Paris conserve les relevés de nombreuses mises en scène conçues entre 1889 et 1929. Dans le même temps et durant les décennies suivantes, une dizaine de films, muets puis sonores, adaptent la pièce ou le roman pour le cinéma.

Sylvie Thouard est maître de conférences en études cinématographiques et audiovisuelles à l'Université Paris-Est Marne (LISAA EA-4120). Productrice, réalisatrice et enseignante aux Etats-Unis de 1980 à 2000. Ses recherches actuelles: portent sur les représentations du peuple.
Publications
Documentaires américains contemporains, L’Harmattan, "Champs visuels", 2001.
Numérique et transesthétique, G. Leblanc (co. ed.), Presses Universitaires du Septentrion, "Images et sons", 2012.


Stéphane TRALONGO: Le music-hall au centre de la ville mécanisée. Ambiguïtés des machines entre érotisation et technophobie
L’essor de la revue de music-hall à la fin du XIXe siècle est allé de pair avec le déploiement enthousiaste de nouvelles technologies électriques au sein des salles de spectacle comme en leur dehors. Si l’électricité nous semble aujourd’hui consubstantielle aux grandes revues parisiennes de cette époque, elle n’a pourtant pas échappé au regard critique que les chansonniers adoptèrent - ne fût-ce que sur un mode burlesque - face aux processus de modernisation de la capitale. En faisant régulièrement la chronique des évolutions de l’environnement urbain, les auteurs de revues développèrent effectivement une approche dramaturgique à la fois didactique et satirique de la ville mécanisée, en phase avec les réactions et les attentes des spectateurs. Nous nous efforcerons donc de nuancer l’idée d’un engouement aveugle pour la lumière électrique et, plus généralement, pour d’autres technologies développées au même moment comme le cinématographe et ses avatars.

Stéphane Tralongo est Premier assistant à l’Université de Lausanne. Docteur ès Lettres et arts, il est l’auteur d’une thèse sur l’histoire des débuts du spectacle cinématographique envisagé dans ses rapports aux arts de la scène (Université Lyon 2/Université de Montréal). Membre affilié du GRAFICS, il a publié plusieurs travaux sur le cinéma des premiers temps, notamment une étude sur Georges Méliès dans l’ouvrage collectif Méliès, carrefour des attractions (Colloque de Cerisy/PUR, 2014). Ses recherches actuelles portent sur l’histoire du music-hall, l’émergence des techniques de montage et le développement du cinéma d’amateurs.

BIBLIOGRAPHIE :

ALEXANDRE-BERGUES, Pascale (dir.), L’Idée de littérature à l’épreuve des arts populaires, Paris, Editions Classiques Garnier, à paraître 2014.
ALEXANDRE-BERGUES, Pascale, éd. Barbey d’Aurevilly, Théâtre contemporain, t. II et IV, édition critique, in Barbey d’Aurevilly, Œuvre critique, dir. C. Mayaux et P. Glaudes, Paris, Les Belles Lettres, à paraître 2014.
ALLEVY, Marie-Antoinette, La mise en scène en France dans la première moitié du dix-neuvième siècle, Paris, E. Droz, 1938.
ALMANSI, Guido, Tra cinema e teatro, Venezia, Marsilio, 1995.
AMENGUAL, Barthélemy, Théâtre et cinéma, Conférence prononcée à Alger, le 18 décembre 1952, Alger, "Travail et culture", Impr. de Koechlin, 1953.
AMIARD-CHEVREL, Claudine (dir.), Du Cirque au théâtre, Lausanne, L’Age d’Homme, Th 20, 1983.
AMIARD-CHEVREL, Claudine, Théâtre et cinéma années vingt: une quête de la modernité, Volume 1 et 2, Lausanne, L’Age d’Homme, 1990.
AMIEL, Denis, ASTRE, Achille, Les Spectacles à travers les âges, théâtre, cirque, music hall, cafés-concerts, cabarets artistiques, Paris, éd. Du Cygne, 1931.
AMIEL, Vincent, FARCY, Gérard-Denis (dir.), Mémoire en éveil, archives en création: le point de vue du théâtre et du cinéma, L'Entretemps éditions, 2006.
ANDREWS, Cyril Bruyn, The theatre, the cinema and ourselves, Clarence House Press, 1947.
ANTOINE, André, "Forfaiture au théâtre", Cinémagazine, n°7, 4-10, mars 1921.
ANTOINE, André, "Propos sur le cinématographe", Le Film, décembre 1919.
ANTOINE, André, Mes souvenirs sur le Théâtre libre, s.n., 1921.
AUGUET, Roland, Fêtes et spectacles populaires, Paris, Flammarion, 1974.
AUMONT, Jacques, L’oeil interminable, Paris, Séguier, 1995.
AUTRAND, Michel, Le théâtre en France de 1870 à 1914, Paris, H. Champion, 2006.
BABLET, Denis, Le Décor de théâtre de 1870 à 1914, CNRS, 1965.
BACON, Henry, Continuity and transformation: the influence of literature and drama on cinema as a process of cultural continuity and renewal, Helsinki, Suomalainen Tiedeakatemia, 1994.
BAKER, Stuart Eddy, Georges Feydeau and the aesthetics of farce, UMI Research Press, 1981.

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Organisé dans le cadre
du Projet Pluriannuel Structurant dirigé par Giusy Pisano et porté par l’Université Paris-Est Marne-la-Vallée,

le LISAA (UPEM, EA 4120),
en partenariat avec le CRI (Université de Montréal)
et la Bibliothèque Historique de la Ville de Paris